Virados Profesionales en Photoshop

El proceso de virado consistía en bañar la copia ya revelada con distintos productos químicos, que sustituían el haluro de plata de la copia por otros componentes más resistentes al paso del tiempo. Los distintos componentes utilizados eran los responsables de dar el tono característico a la copia, actuando sobre las tonalidades más oscuras (donde más plata hay), dejando intactas las zonas blancas por no existir este componente.

Para aplicar virados en Photoshop o cualquier otro programa hay diferentes técnicas. La que os voy a contar es una muy sencilla que se consigue mediante la aplicación de curvas en Photoshop.

Vamos a partir de una imagen ya convertida a blanco y negro.

Sobre la imagen en blanco y negro, creamos una nueva capa de ajuste de Curvas (Menú CAPA -> NUEVA CAPA DE AJUSTE -> CURVAS).

Sobre esta capa de ajuste, introduciremos valores sobre cada uno de los canales de color (rojo, verde y azul) según la tabla de curvas correspondiente al tipo de virado que queramos aplicar.

Para poder introducir un valor, pinchando con el ratón sobre la curva aparecerán las cajas de texto que nos permiten introducir los valores de entrada y de salida. .

Una característica de los virados es que actúan con más fuerza cuanto más oscura es la zona de la fotografía, siendo más suave el efecto en las zonas más claras.

Para conseguir ese efecto, vamos a hacer lo siguiente:

• Activamos de nuevo la capa de Fondo pinchando con el ratón sobre ella en la paleta de Capas.

• Seleccionamos todo con el menú SELECCION -> TODO

• Copiamos con el menú EDICION -> COPIAR

• Seleccionamos la máscara de capa de la capa de Curvas. Para ello debemos pulsar con el ratón sobre la máscara de capa mientras mantenemos la tecla Alt pulsada. En nuestra pantalla la fotografía se volverá blanca al hacer esto, ya que nos mostrará el contenido de la máscara de capa.

• Pegamos la imagen que habíamos copiado anteriormente, con el Menú EDICION -> PEGAR.

• Invertimos la imagen con el Menú IMAGEN -> AJUSTES -> INVERTIR.

• Pulsamos con el ratón sobre el icono en forma de ojo de la capa Curvas y deseleccionamos.

Si consideramos que hemos anulado en exceso el efecto del virado sobre las zonas más claras, podemos activar de nuevo la máscara de la capa de Curvas, y una vez hecho esto, seleccionar las iluminaciones mediante el menú SELECCION -> GAMA DE COLORES, seleccionando en la combo desplegable la opción Iluminaciones.

Con el Menú EDICION -> RELLENAR, eligiendo la opción Usar, seleccionamos 50% gris.

Si te has perdido en algún paso o simplemente no te apetece seguir todo el proceso, puedes descargar una acción Photoshop para ejecutar el virado. Tan solo tienes que cargar la acción en Photoshop, ejecutarla, y seguir los pasos que te vaya marcando el programa. También necesitarás, salvo que los quieras poner a mano, los valores de las curvas para los virados correspondientes.

Recuerda que debes partir de una imagen en blanco y negro para aplicar el virado que quieras. Tienes los siguientes:

Paladio

 

Platino

Selenio

Plata

Gelatina de Plata

Sepia

Cianotipo

Aquí os dejo las imagenes que corresponden a los anteriores tipos de viriado:

Imagen original

Virado al Paladio

Virado al Platino

Virado al Selenio

Virado a Plata

Virado a Gelatina de Plata

Virado a Sepia

Cianotipo

Cómo conseguir Amaneceres y Atardeceres Anaranjados con Photoshop

Se trata de un efecto que probablemente hayas observado en muchas fotos de amaneceres y atardeceres y que tal vez no hayas conseguido captar aún con tu cámara. Es ese tipo de fotos en las que todo se ve anaranjado, transmitiendo una sensación de calidez y calma increibles

Y este es el resultado final que obtendremos con el método:

Siguiendo los siguientes pasos conseguirás darle este toque a tus fotografías. Debo advertirte, eso si, que no funciona en todas las fotos, y que necesitas que tu foto cuente con unas condiciones de iluminación específicas de los amaneceres o los atardeceres.

Lo que voy a utilizar para ello es una capa de Mapa de Degradado en Photoshop.

Con tu fotografía abierta, accede al menú Capa > Nueva Capa de Ajuste > Mapa de Degradado.

Vamos a seleccionar por defecto un degradado que vaya del negro al blanco. A partir de ahí trabajaremos con los colores.

Pinchando sobre la caja de color se abrirá una nueva ventana con el nombre "Editor de Degradado".

Dentro de la caja de Editor de Degradado, vamos a elegir los nuevos colores del gradiente. Para ello, pulsa sobre las caja inferior de Nivel de Color (la marcada con un círculo en la foto), y sobre la caja de color selecciona un tono rojizo. Deberías obtener un resultado como el que te muestro en la siguiente foto.

Repite la misma operación con el color de la izquierda, pero esta vez selecciona un tono amarillento.

Cuando aceptes los cambios, verás que la fotografía ha quedado con unos colores bastante estridentes. Todavía no hemos terminado con el proceso.

Cambia el modo de fusión de la capa y selecciona el modo "Superponer". Baja también la opacidad hasta que obtengas un resultado natural. En el ejemplo he aplicado un 50% de opacidad a la capa.

Este tipo de fotografías se caracteriza por estar normalmente realizadas a contraluz, por lo que los objetos que muestran suelen ser siluetas.

Para eliminar información de los objetos (en esta fotografía los molinos de viento) y resaltar más la silueta voy a crear una nueva capa de ajuste, esta vez de niveles.

Sobre la capa de ajuste, desplaza el punto de los negros hacia la derecha hasta que consideres que las siluetas se muestran de forma adecuada.

Puedes jugar con el modo de fusión de esta nueva capa cambiandola al modo Luminosidad o dejarla en modo Normal y bajando aún más la opacidad de la capa del mapa de degradado si los tonos resultantes son demasiado intensos.

Y asi queda la fotografia final:

Aprendiendo a Jugar con el Hilo Luminoso en Fotografía Nocturna

Las maneras de jugar con la luz y la luz en movimiento son tantas como permita tu imaginación. El color, la forma y el movimiento que des a una fuente luminosa produce diferentes efectos con los que siempre podemos jugar y poner al servicio de nuestras composiciones.

Nos hace saber cómo realizar un efecto bastante llamativo, y no era otro que el fuego. Además, estos maestros hacían llamas con diferentes colores. Estaba claro que eran luces.

Para ello se necesita un portapilas y un cable (hilo) luminoso, que pueden hacer llamas con las luces.

Se compone de un led, y algo que se puede asemejar a una sección de fibra que al accionar el interruptor se enciende y propaga la luz a lo largo de dicha fibra.

Funciona con dos pilas AA, y lo mejor de todo es que la sección que cambia de color es intercambiable. Por lo que si no sois muy manitas podéis comprar un kit Strobing Plug&Play, y luego otra sección de otro color.

¿Cómo hacemos las llamas?

La técnica es muy sencilla, siempre de frente a la cámara, intentando que nuestro cuerpo no esté nunca entre el hilo y la cámara, para evitar realizar siluetas, realizaremos movimientos rápidos por el suelo, o por el aire, dependiendo del efecto que queramos realizar. Los movimientos deben ser rápidos, porque si el hilo está fijo en un sitio, se nota enseguida la forma del mismo, y eso nos afearía el efecto.

¿Cómo exponemos?

Hay mucha diferencia si hacemos la toma sin luz natural a hacerla con luz de luna. Si hacemos la toma con luz de luna, siempre tendremos que luchar con la luz natural, y eso significará que nuestro humo o las llamas, saldrán con colores lavados y semi-transparentes. Para este tipo de efectos es conveniente hacer exposiciones cortas. Obteniendo en interiores los mejores resultados. Si bien optamos a realizar las tomas en plena calle, siempre os recomiendo hacerlas con poca luna. Respecto a la técnica de mover las manos para pintar las llamas, eso os lo dará la experiencia.

 En este vídeo  podréis ver cómo se ha realizado la toma del vikingo. Además podréis ver cómo se hacen siluetas
.

Técnicas especiales para distintos tipos de fotografía

Cada estilo tiene su propia técnica, y cada técnica sus propios secretos. A continuación, te brindamos algunos de los más representativos para que des a tu fotografía un toque extra de interés, o bien para facilitarte las cosas.

Si vas a llevar a cabo una sesión justo después de la puesta de sol, o bien antes de que amanezca, busca elementos para capturar su silueta con el cielo de fondo. Este realzará totalmente la toma.

Si planeas fotografiar fuego de noche, hazlo durante el crepúsculo, cuando todavía haya un poco de luz - facilitará mucho la exposición de la toma.

Si deseas hacer una toma en macro, constata que en el fondo no haya elementos distractores. Si no te agrada lo que ves, ubica un trozo de papel de color detrás del sujeto. Con una profundidad de campo superficial este saldrá nítido, mientras el fondo contribuye a resaltarlo.

Cuando realices fotografías en HDR no elimines las sombras - estas dan definición y profundidad a la imagen.

Al hacer fotografías panorámicas, la uniformidad es el secreto: en la perspectiva, la exposición, y el balance de blancos. No te muevas ni intentes cambiar nada entre tomas - ten en mente la totalidad de la imagen.

Las mejores condiciones para la fotografía infrarroja suelen ser opuestas a las requeridas para la fotografía normal: los resultados más interesantes se obtienen al mediodía, bajo la luz fuerte del sol. Si no te agrada el matiz rojo que suele estar presente en estos casos, prueba pasar a blanco y negro la imagen durante la post-edición

Y por último, la fotografía de noche. Por lo general hay fuentes de luz que pueden confundir al fotómetro, así que realiza tus mediciones en diferentes puntos específicos dentro del encuadre para asegurarte de lograr la toma que deseas.

Como hacer panorámicas en 3 pasos

Lo primero que haremos al abrir Photomerge es seleccionar el tipo de composición que queremos realizar.

En la mayoría de las ocasiones el modo automático funcionara realmente bien, con lo que es la opción que dejaremos por defecto.

El resto de opciones están pensadas para aquellas situaciones en las que el programa no pueda encontrar referencias claras a la hora de ordenar y fusionar las fotografías.

Lo siguiente es indicar a Photomerge donde se encuentran las fotos a partir de las cuales tenemos pensado montar nuestra panorámica.

Aquí podemos optar por facilitar a Photomerge un directorio completo o seleccionar archivos sueltos.

Una vez hayamos seleccionado las fotos, simplemente tenemos que pulsar el botón Ok y Photoshop hará el duro trabajo de alinear y fusionar por nosotros.

Si todo ha ido bien, y lo normal es que así haya sido, en unos segundos (o muchos, dependiendo del número de fotos y el estado de nuestro ordenador) Photoshop nos mostrará un nuevo fichero compuesto por una serie de capas, tantas como fotos originales teníamos.

Es el momento de revisar los resultados, comprobando que ha realizado bien la fusión entre las fotos y que no se notan saltos entre ellas ni cambios de tonalidad.

A continuación, basta con recortar nuestra foto.

Para ello usaremos la herramienta crop que trae Photoshop, donde podemos optar por mantener una proporción predefinida o realizar un recorte libre para eliminar las zonas que sobran y dar a la foto un acabado rectangular.

Y listo, ya solo tenemos que guardar la foto con el formato y calidad que queramos y tendremos nuestra panorámica.

Swarms

El proyecto “Swarms” - en español “Enjambres” -, plasma aglomeraciones de objetos comunes flotando por los aires en diferentes ámbitos, lo cual les confiere un marcado estilo surrealista. Desde tasas hasta hojas de colores, Jackson hace que todos ellos parezcan tener vida.

Realizado en diferentes locaciones y espacios de la ciudad de Nueva York, “Swarms” está lleno de personalidad y creatividad. En muchas de sus tomas hallamos una cierta atmósfera siniestra, mientras que el uso del color y la belleza en las composiciones resaltan en todas ellas, junto con un atrayente aire psicodélico.

Según su autor, muchas de estas imágenes pueden ser consideradas en realidad “bocetos” en vista de que la versión final del proyecto aún no está terminada. Sin embargo, la gran mayoría de ellas está tan bien acabada que bien puede tomarse como el resultado final por quien no lo sabe.

Tres usos de la exposición múltiple

La exposición múltiple puede ser descrita como la superposición de dos o más exposiciones individuales para crear una sola imagen. Puede que estas difieran mucho entre sí, o que sean bastante similares. De cualquier manera, la calidad estética que puede lograrse depende de varios factores, como la calidad individual de cada toma, la elección de las imágenes a combinar, y la ubicación de los elementos dentro del encuadre. A continuación, te damos tres opciones a las que puedes dar preponderancia en el marco de tu experimentación con esta técnica

Fotografías en HDR. Tal como su nombre en inglés lo indica, las imágenes HDR tienen un amplio rango dinámico entre sus áreas más oscuras y más claras. Esto permite que ambos extremos puedan ser bien capturados sin problemas de subexposición o sobreexposición. Tal como hemos explicado anteriormente, se logra haciendo varias tomas idénticas con diferentes exposiciones, que luego son fusionadas mediante un programa de edición - a menos que la cámara venga con esta función integrada. Vale destacar que es fácil dejarse llevar por el color y la luz, y crear fotografías con efectos exagerados e irreales; es por ello que muchos sienten aprehensión por esta técnica; sin embargo, queremos destacar su potencial cuando se utiliza con moderación y buen gusto.

Composiciones originales. Como cada fotografía de exposición múltiple se compone de más de una toma individual con sus propios elementos, debe darse especial cuidado a cómo se verán una vez superpuestos. De otro modo, podría parecer un entreverado rejunte de objetos. El post-procesado permite un control más certero en este aspecto, ya que da la posibilidad de cambiar la ubicación de algunos elementos y controlar su opacidad, de manera que puedan resaltar más o menos dentro del encuadre. Visualiza en tu mente la imagen que quieras lograr, y elige aquellas tomas que sirvan a tus fines.

Retratos interesantes. Las exposiciones múltiples pueden contribuir a dar carácter e interés visual dentro de este estilo. Si tienes algunas tomas de retratos que parecen no decir nada, prueba fusionándolas con otras. Eso sí, ten cuidado de mantener a la persona como foco principal de la atención, y no como un elemento más en medio de otros agregados, ya que esto disminuiría la calidad de la fotografía en lugar de aumentarla.

El atractivo de la exposición múltiple radica en su capacidad de crear imágenes que normalmente no podríamos capturar en la realidad. Así que deja volar tu imaginación y utiliza esta técnica para componer imágenes fantasiosas, surrealistas, originales o con sutiles efectos, dependiendo de tu estilo y del tema que elijas.

Texturas originales

Fotografiar texturas resulta muy entretenido y no se requiere ser profesional, ni tampoco contar con el mejor equipo para hacer bellas tomas. Obviamente la tarea tiene sus requerimientos técnicos, de manera que ahora veremos algunas ideas que nos ayudarán a ampliar el concepto que a menudo nos formamos acerca de lo que es una textura y el modo correspondiente de plasmarla.

Primero para obtener una buena fotografía de texturas es necesario tener presente que cada detalle individual juega un rol significativo en la percepción general de la fotografía. La combinación de estos detalles intrincados, o bien de interesantes patrones o colores vibrantes junto con  la profundidad de campo adecuada, contribuye a definir lo que es una buena textura a nivel estético.

Por otro lado, no toda textura debe ser milimétrica. Si bien el acercar la toma permite percibir detalles que de otro modo se perderían, existen texturas formadas por elementos de gran tamaño distribuidos de cierta manera. Las fotografías debajo es un claro ejemplo de ello.

Un buen modo de percibir esta clase de texturas es estando alerta de los patrones, ya que normalmente estos se “forman” en nuestra mente cuando vemos ciertos elementos en conjunto a cierta distancia.

Ten en cuenta estas ideas y experimenta con las texturas que te rodean; no sólo con aquellas que requieren acercar la toma, sino también con las que están formadas por la disposición de los elementos que nos rodean.

Por: María García

El arte visionario de Craig Royal

El autor de estas obras visualmente innovadoras es un fotógrafo legalmente ciego debido a una atrofia óptica congénita. No obstante, esto no le ha impedido desarrollar su técnica fotográfica - por el contrario, le ha puesto un reto por delante que superó logrando resultados realmente cautivadores.

Craig se presenta como un ´´fotógrafo artístico con intereses variados´´ en materia de naturaleza, arquitectura, objetos en general, y su potencial para la abstracción y la perspectiva filosófica que explora la condición humana”.

Luego explica la razón de su condición y agrega que su visión periférica es borrosa, mientras que su visión central se encuentra oscurecida por un punto ciego blanco. En medio de esta discapacidad, la fotografía le resulta “no sólo una forma de expresión artística, sino también un ayudante” que le permite “revelar en exquisito detalle lo que nos rodea”.

En 2007 comenzó su interés por la fotografía. Sintiéndose frustrado por su limitación visual, la falta de paciencia y la baja concentración propiciaron el viraje de tres a dos dimensiones. Esto le resultó muy animador en vista de los resultados más inmediatos que la fotografía le proporcionaba. Además, podía apoyarse en la habilidad de enfoque de las cámaras más que en la de sus ojos, lo cual según cuenta le resultó muy motivador.

Por :María García

Fotografías con perspectiva forzada

Se trata de fotografías que dan al espectador la impresión de que lo que están viendo es en realidad más grande, más pequeño, más cercano o más lejano de lo que realmente es. Dicho recurso permite lograr tomas interesantes y creativas aún sin tener una cámara lujosa. Veamos entonces algunas pautas para el uso de la técnica que requiere este recurso.

Primeramente, será necesario que sigas algunos procedimientos básicos, como usar un trípode, elegir objetivos gran angulares para expandir visualmente la perspectiva, o bien teleobjetivos para comprimirla, y usar adecuadamente diafragma para lograr una profundidad de campo adecuada. También te convendrá utilizar modo manual, o bien el modo prioridad de apertura para evitar los cambios automáticos en el ajuste del f-stop.

Date tiempo. Se siente bien cuando improvisas una toma y obtienes un buen resultado, pero en la mayoría de los casos seguramente tendrás que esperar que el sujeto se coloque en el espacio indicado, o puede que tengas que ubicarlo tú mismo en la posición que desees.

Haz tomas adicionales. Esto te dará más material con el que trabajar, y más posibilidades de obtener “la” toma ideal.

Comprueba tu profundidad de campo. Hacer varias pruebas con ella te dará una mejor idea de cuál funcionará mejor para esa fotografía en particular. Probar ubicar tu sujeto a diferentes distancias te permitirá ver cómo cada ajuste afecta la fotografía, y hasta puede terminar cambiando la perspectiva original de la toma.

Presta atención al encuadre y la composición. Esto es esencial para lograr la perspectiva correcta. Si quieres aparentar que un objeto es más grande de que realmente es, cuida que este no se extienda por fuera del encuadre. En ese caso, deberás alejarlo un poco. Cuida este detalle y haz todos los ajustes necesarios antes de seguir adelante.

Presta atención al contexto. Deberás dejar fuera aquellos objetos que rompan la falsa perspectiva que deseas lograr. La foto debe manipular la visión del espectador para que vea sólo lo que quieres que vea. Por otro lado, puedes añadir objetos que sumen a favor del contexto de la foto.

Selecciona un buen lugar. Trabajar en un espacio abierto te dará el control total al hacer fotografías con perspectiva forzada. Así tendrás un amplio margen para el trabajo y la experimentación con las distancias y la profundidad de campo. Trata de elegir lugares que puedan sumar a favor de tu creatividad y que aporten interés a tu sujeto. Aquellos en los que puedes incluir el horizonte suelen ser buenas opciones.

Experimenta con la perspectiva forzada, y aprovecha el amplio margen que brinda esta técnica para dejar volar tu creatividad. También puedes inspirarte con las ingeniosas tomas que hemos incluido a modo de muestra.

 Por: María García